조스토보 그림 – 러시아 전통 예술. 그림이 그려진 쟁반이나 다른 주방용품을 좋아하는 사람이라면 이 예술이 어떻게 시작되었는지, 그리고 시간이 지나면서 어떻게 변화했는지 알아야 합니다. 그림과 문화에 관심이 있는 사람이라면 기본적인 장식 그림을 보고 패턴을 만드는 기술을 연구하는 것이 흥미로울 것입니다.
산업의 기원에 대한 역사
조스토보는 모스크바 근처의 마을이다. 200년 전 바로 그곳에서 회화 예술이 등장하기 시작했습니다. 이러한 추세의 선구자는 비슈냐코프 가문의 남자들이었습니다. 아버지와 아들들은 파피에마셰로 장식용 접시를 그리는 데 열중했습니다.
그들은 조스토보에 가장 가까운 정착지에 여러 개의 작업장을 소유하고 있었습니다.
- 오스타슈코보;
- 삼위 일체;
- 흘레브니코보.
점차적으로 비슈냐코프 부부는 기술을 발전시켜 나무 제품을 다루기 시작했습니다. 그들의 견습생들은 쟁반, 설탕그릇, 상자를 칠했습니다. 그들은 담배 케이스, 차통, 빵 상자를 장식했습니다.
1825년까지 비슈냐코프 가문은 조스토보 예술을 러시아인의 삶에 깊이 도입했습니다. 그들의 작업장에서 그린 제품은 전국적으로 유명해졌고 수요가 많았습니다. 하지만 그들은 거기서 멈추지 않고 무역을 더욱더 확장하려고 노력했습니다. 그들은 조스토보에서 멀리 떨어진 마을에 몇 개의 작업장을 더 열었습니다.
비슈냐코프 가문과 함께 일한 장인들은 종이와 나무 제품뿐만 아니라 장식도 하기 시작했습니다. 그들은 철제 쟁반, 팔레트, 기타 주방 도구에 그림을 그리는 법을 배웠습니다. 금속 쟁반이 특히 잘 맞았습니다. 첫째, 제품이 매우 보기 좋았고, 둘째, 금속이 페인트 층으로 보호되어 접시가 훨씬 오래 지속되었습니다. 1920년까지 러시아 영토에는 새로운 작업장이 생겨났습니다. 거장들은 기술을 향상시키고 그림에 새로운 요소와 모티브를 도입했습니다.
1930년에 비슈냐코프의 사업은 어려움을 겪었습니다. 소련의 각 부서 조직은 공산주의의 요구에 맞는 표준적인 장식과 구성을 추가하여 조스토보 그림을 바꾸고자 했습니다. 다른 경향을 보인 소련의 예술가들은 그림의 요소를 보다 자연스럽고 이젤처럼 만들려고 노력했습니다.
조스토보 회화를 실천한 거장들은 이러한 혁신에 반대했습니다. 그들은 이런 식으로 하면 예술이 그 독특성을 잃게 될 것이라는 걸 알았습니다. 점점 희미해지고 눈에 띄지 않게 될 것입니다. 자신이 좋아하는 작품에 대한 헌신과 이 미술 방향의 독특성에 대한 이해는 주요 예술가들이 조스토보 회화의 존재권을 옹호하는 데 도움이 되었습니다. 예술은 변화를 겪었지만, 그다지 크지 않았습니다.
어려운 시기를 겪은 후, 전통적인 창의성은 빠르게 회복되었고 계속해서 인기를 얻었습니다. 거장들은 새로운 높이에 도달했습니다. 그들의 작품은 국제 전시회에 등장하기 시작했습니다. 곧 조스토보 회화는 진정한 러시아 예술로 인정받게 되었다.
그 당시에는 집안에 이런 스타일로 칠해진 쟁반과 접시를 두는 것이 명예로운 일이었습니다. 러시아인들은 주방 도구가 모두 조화로운 구성을 이루도록 세트로 품목을 구입하려고 했습니다. 식기는 휴일, 결혼식, 기념일에 선물로 주어졌습니다.
현대에 이르러서 이 그림은 사소한 변화를 겪었습니다.. 그들은 현대의 업적과 연관이 있었습니다. 지난 60년 동안, 이 예술의 발상지에 위치한 조스토보 공장에서는 그림이 그려진 식기를 생산해 왔습니다.
조스토보 그림(그림을 그린 도구의 예시 사진은 이 기사에서 나중에 볼 수 있음) 제조 공정에서 약간의 변화가 있었음에도 불구하고, 공장에서는 전통을 유지하려고 노력합니다.
요리의 디자인은 장인들의 손길로 완성됩니다. 페인트를 기계로 도포하는 일은 전혀 없습니다. 각각의 칠해진 항목에는 고유한 번호가 지정됩니다. 팔레트와 트레이의 모양이 더욱 다양해졌습니다.
트레이에는 어떤 유형이 있나요?
- 타원형;
- 둥근;
- 직사각형;
- 정사각형;
- 다이아몬드 모양의;
- 높고 얇은 측면이 있는;
- 두꺼운 벽으로;
- 짧은 변을 가진.
제품 자체는 기계로 만들어집니다. 장인들은 종종 독특한 모양의 물건을 만듭니다. 그들은 작업장과 대장장이에게 빈칸을 주문합니다. 제품의 모양은 기능에 따라 달라집니다. 장식용 쟁반은 모양이 매끈하고, 음식을 나르거나 식탁을 차리는 데 사용하는 쟁반은 세척이 쉽고 일상생활에서 일반적으로 사용하기 편리합니다. 쟁반에는 손잡이는 물론, 고리도 달려 있어서 접시를 벽이나 캐비닛에 걸 수 있습니다.
오늘날에도 조스토보 그림은 여전히 인기가 많습니다. 이들 전문가의 작품은 높은 평가를 받고 있으며, 계속해서 국제 전시회와 경매에서 전시되고 있습니다.
그림의 특징
조스토보 그림(다양한 접시의 사진이 함께 있는 그림은 전통 장식을 더 잘 살펴보는 데 도움이 됨)은 여전히 가족의 전통 공예입니다. 부모들은 종종 어린 나이부터 자녀에게 교육을 시작합니다. 종종 그들은 스스로 이 기술을 연습합니다. 젊은 거장들은 수년간의 훈련을 거치고 성인이 되어서야 전통적인 그림을 만드는 모든 비법을 터득하게 됩니다. 이후 전문가들은 젊은 세대의 멘토가 됩니다.
그림을 만드는 주요 규칙:
- 이 과정은 반드시 수동으로만 수행해야 합니다. 제품에 페인트를 칠할 때 기계적인 방법을 사용해서는 안 됩니다.
- 작업에는 큰 세트의 예술용 브러시가 사용됩니다. 그 더미는 다람쥐여야 합니다. 다른 브러시는 덜 정확하고 매끄러운 선을 만들어냅니다.
- 이 그림은 유화로 그려졌습니다. 페인트는 아마씨유로만 희석할 수 있습니다. 페인트에 부드러운 질감을 부여하여 줄무늬 없이 고르게 표면에 칠할 수 있습니다.
또 다른 주요 특징은 특정 순서로 겹겹이 획을 적용한다는 것입니다. 먼저 장인은 제품 전체를 검은색 페인트로 덮습니다. 그런 다음 그는 밝은 색조와 파스텔 색조를 결합하여 꽃 무늬를 그리기 시작합니다. 이런 페인트 기법 덕분에 그림은 아름답고 대조적이며 눈길을 사로잡습니다.
예술가들은 요리를 장식하기 위해 전통적인 구성을 사용합니다.
- 야생화 한 무리
- 큰 꽃차례의 꽃다발;
- 흩어진 꽃;
- 작은 꽃으로 만든 화환(둥근 접시나 타원형 접시를 장식하는 데 사용)
- 제품 중앙에 큰 꽃 3개가 있습니다.
- 모서리에 꽃이 달린 가지;
- 꽃 프레임.
작업이 끝나면 마스터는 제품에 번호를 붙이고 이미지 모서리에 사인을 남깁니다. 이러한 요소들은 그림의 진위성을 증명합니다. 아름다운 꽃꽂이는 평범한 검은색 쟁반을 예술 작품으로 바꿔줍니다.
조스토보 그림의 색상
전통적으로, 다음과 같은 색조가 그림의 다양한 부분을 장식하는 데 사용됩니다.
| 배경 | 검정, 은색, 파란색, 빨간색, 짙은 녹색. |
| 월경 | 빨간색, 주황색, 분홍색, 노란색, 파란색, 파란색. |
| 나뭇잎 | 녹색, 연두색, 노란색, 흰색, 금색. |
| 동물 형태의 요소 | 갈색, 주황색, 노란색, 빨간색, 흰색, 회색, 파란색. |
| 프레임(쟁반의 측면, 접시의 가장자리) | 금, 은, 노랑, 빨강, 검정. |
회화 발전에 있어 어려운 시기(1930년대)를 거치면서, 밝은 색상은 파스텔 색조로 희석되기 시작했습니다. 꽃은 종종 흰색 페인트로 하이라이트를 줍니다. 동물 형태의 요소가 이전보다 더 사실적으로 보입니다. 전반적으로 그림이 더 다양해졌습니다.
최근 들어(1970년대부터 현재까지) 아이보리색이 배경 디자인에 인기 있는 색상이 되었습니다. 밝고 약간 베이지색 배경에 밝은 꽃다발을 그려도 어두운 배경에 그린 꽃다발보다 우아해 보입니다. 밝은 배경은 더 부드러워 보이고, 요리에 온화하고 아늑한 느낌을 줍니다.
조스토보 그림은 접시와 기타 주방 도구에 그려진 그림으로, 다양한 색상을 활용하여 전통 예술에 관심이 없는 사람들의 눈길을 사로잡습니다. 이 사실은 예술이 정말 독특하고 흥미롭다는 것을 보여주는 신호였습니다.
조스토보 회화의 요소와 패턴
조스토보 회화의 요소로 구성된 그림은 초기에는 약간 다르게 보였습니다. 선이 덜 매끄러워졌습니다. 디자인을 만드는 데 사용된 페인트 색상이 줄었습니다. 1830~1900년의 그림이 그려진 접시. 주요 요소는 풍경, 꽃다발, 말 3마리였습니다.
창의성이 발달하고 회화 예술에 대한 다른 견해를 가진 새로운 예술가들이 등장함에 따라 구성도 변화하기 시작했습니다. 새로운 거장들의 원작에는 풍경, 폭포, 산의 경치, 아름다운 고딕 양식의 성의 이미지가 등장하기 시작했습니다.
종종 당시 사람들의 일상생활을 묘사한 서사적 그림이 사용되었습니다. 예를 들어, 1890~1900년대에 제작된 쟁반과 접시의 사진을 볼 수 있습니다. 이 그림에는 썰매를 타고 있는 아이들, 마부와 함께 있는 말들, 사모바르로 차를 마시는 모습이 묘사되어 있습니다. 사람들이 인피신을 짜는 모습도 인기가 있었습니다.
이후 작품의 주된 구성은 꽃다발 이미지로 바뀌었습니다. 꽃은 다양합니다. 야생꽃, 정원꽃, 작은 꽃, 큰 꽃 등이 있습니다. 그림의 중앙에는 큰 꽃봉오리나 핀 꽃차례가 묘사되어 있는 경우가 많습니다. 가장자리를 따라 작은 꽃이 그려져 있습니다. 작은 꽃차례를 주요 꽃 사이에 배치하여 빈 공간을 덮습니다.
장미는 조스토보 그림에서 가장 흔히 묘사되는 꽃이다. 펼쳐진 꽃잎은 밝고 특이해 보인다. 장미의 꽃이 활짝 핀 모습부터, 꽉 닫힌 꽃봉오리, 그리고 살짝 시들어가는 모습까지 다양한 꽃의 모습을 볼 수 있습니다.
조스토보 그림 스타일로 장식된 접시에서 볼 수 있는 다른 꽃은 무엇입니까?
- 붉은 양귀비;
- 노란색, 빨간색, 파란색 튤립
- 노란색과 빨간색 달리아;
- 분홍색 모란;
- 하얀 작은 은방울꽃;
- 노란색과 라일락색 팬지;
- 작은 파란색 수레국화;
- 하늘색 눈방울꽃.
예술가들이 꽃다발에 베리 클러스터, 과일 및 기타 과일을 추가하여 다양성을 더했기 때문에 구성이 단조로워 보이지 않습니다. 그 결과 화려한 장식품이 탄생했습니다.
1920년대부터 현재까지, 조스토보 그림에는 동물 모양의 모티브와 새와 가축의 완전한 이미지가 보존되어 왔습니다. 이런 디자인은 매우 사실적으로 보이고 꽃무늬와 잘 어울립니다. 예술가들이 가장 많이 포착한 새 종류는 공작새나 불새(피닉스)입니다. 작가는 깃털, 볏, 튀어나온 머리카락 등 가장 작은 디테일까지 그립니다. 긴 꼬리는 종종 꽃으로 덮인 카펫으로 묘사됩니다.
전문가가 덜 현실적인 방향을 선택한 경우, 그는 새의 윤곽을 그린 다음 임의의 모양의 큰 패턴으로 채웁니다. 이런 그림의 색깔은 대부분 노란색이고, 윤곽선과 세부 사항의 어둡게 하는 작업은 주황색이나 빨간색 페인트를 사용합니다.
수탉, 종달새, 볏이 있는 암탉, 어치의 이미지도 인기가 있습니다. 숲뇌조는 종종 어두운 배경에 묘사됩니다. 깃털의 짙은 파란색은 검은색 배경과 거의 어우러지지만, 예술가들은 새의 윤곽을 흰색 페인트로 능숙하게 강조하여 숲뇌조가 어둠 속 어딘가에서 다가오는 듯한 효과를 냈습니다. 그림에는 말, 사슴, 곰, 그리고 드물지만 고양이와 호랑이 등 동물이 등장합니다.
때로는 장식용 접시에 물고기 이미지를 볼 수도 있습니다. 그들은 결코 현실적이지 않습니다. 일반적으로 윤곽선은 패턴으로 채워지고, 주요 꽃 무늬 디자인과 어울리는 페인트 음영을 선택합니다. 꽃은 조류와 비슷하게 그려졌습니다. 그들은 길고 곱슬거리는 줄기와 짙은 녹색, 노란색 또는 빨간색의 작은 꽃차례를 그립니다.
오늘날에는 페인트 도포 기술과 페인트 재료의 구성이 개선되어 화가들은 나무나 금속 도구뿐만 아니라 다른 물건도 장식할 수 있게 되었습니다. 유리, 도자기, 가죽 등에 그림을 그릴 수 있습니다.
페인트가 벗겨지거나 벗겨지지 않습니다. 그래서 유명한 장인이 만든 정품은 비싼 것입니다. 저녁 식사 세트, 쟁반, 접시는 종종 기념일 기념품으로 구입하며, 귀중한 골동품 컬렉션에도 수집됩니다.
패턴을 만드는 기술
조스토보 그림(같은 기법을 사용하여 서로 다른 표면에 그림을 그리는 그림)은 9단계로 완성됩니다.
1단계 - 페인팅. 구현 방법:
- 접시 표면의 기름을 제거합니다.
- 프라이머를 바릅니다. 이것은 페인트가 굴러가는 것을 방지하고 그림이 벗겨지지 않도록 고정하는 데 도움이 되는 특수한 구성입니다.
- 접시를 말린 후, 배경이 될 색깔로 칠합니다.
- 마스터가 스케치를 선택합니다. 그런 다음 그는 그림을 표면에 배치하는 데 대한 여러 가지 옵션을 고려하기 위해 표시를 합니다.
- 예술가는 넓은 붓으로 첫 번째 획을 그립니다. 큰 새싹, 잎, 꽃잎의 위치를 표시합니다. 이 순간에는 종종 주인의 책상 위에 여러 작품이 동시에 놓여 있습니다. 그는 두 가지를 동시에 디자인합니다.
- 스케치를 보호해야 합니다. 이를 위해 접시를 건조 캐비닛에 넣습니다. 최소 건조시간은 12시간입니다. 추가 시간과 건조 온도는 해당 품목의 재료에 따라 달라집니다.
접시를 찬장에서 꺼내 식힙니다.
다음은 두 번째 단계인 교정입니다. 작가는 큰 요소의 모양을 더욱 선명하게 그립니다. 새로운 페인트 층을 추가하여 스케치를 더 밝게 만듭니다.
다음 세 번째 단계는 '그림자'라고 합니다. 구현 방법:
- 화가는 스케치 위에 얇은 페인트 층을 칠합니다. 그는 기름으로 희석해서 농도를 반투명하게 만듭니다.
- 디자인의 어두운 요소는 더 짙은 색상으로 칠해집니다.
- 팔레트에 페인트를 섞어 꽃봉오리의 바닥을 어둡게 하고 꽃잎 사이의 그림자를 강조합니다.
- 얇은 브러시를 사용하여 꽃잎과 잎맥의 위치를 윤곽선으로 그립니다.
- 줄기의 질감을 그립니다.
4단계 - 놓기. 작가는 파스텔 색상을 사용합니다. 그는 더 두꺼운 페인트 층을 발라 식물의 밝은 부분을 강조합니다.
5단계 – 눈부심. 구현 방법:
- 작가는 넓은 붓과 흰색 페인트를 이용해 큰 하이라이트를 강조한다.
- 획은 조심스럽게 음영 처리되었습니다. 윤곽이 뚜렷하지 않고 매끄러워야 합니다.
- 작은 브러시를 사용하여 꽃잎, 잎, 줄기의 가장자리에 가벼운 선을 강조합니다.
- 넓은 브러시를 사용하여 가볍게 혈관을 조심스럽게 그립니다. 브러시에 압력을 가하지 마세요. 흰색 페인트에 담근 더미의 끝부분만이 디자인에 닿아 있습니다. 매끄럽고 매우 얇은 선이 남아 있어야 합니다.
6단계 - 그림 그리기. 예술가는 얇은 붓과 흰색 페인트를 사용합니다. 이제 그는 선명하고 밝은 선을 그립니다. 그림의 모든 밝은 부분을 윤곽선으로 표시합니다. 새싹의 가장자리, 잎 끝, 열매의 하이라이트를 강조합니다.
7단계 - 씨앗 형성. 작가는 노란색, 주황색, 연두색, 흰색 페인트를 사용하여 수술, 암술, 씨앗을 그립니다. 배경에 작은 점 몇 개를 추가합니다. 그들은 보통 작은 꽃을 모방합니다.
8단계 - 바인딩. 이는 그림을 하나의 전체로 "연결"하는 과정입니다. 작가는 그림의 큰 세부 묘사 사이의 빈틈을 채웁니다. 이는 점, 작은 꽃, 꽃잎, 작은 잎사귀 등이 될 수 있습니다. 이러한 모든 요소에는 그림자가 주어지고 하이라이트는 밝아집니다.
꽃다발을 여러 송이로 묶거나 꽃을 흩뿌려 얇은 풀잎으로 장식합니다. 그들은 밝은 녹색, 진한 녹색, 노란색으로 그려졌습니다. 밝은 배경에서는 풀이 갈색이거나 진한 노란색일 수 있습니다. 작가는 빈 공간을 채워 풀이 가벼운 거미줄을 형성하도록 했습니다. 이 단계가 없다면 그림이 덜 사실적으로 보일 것입니다. 주요 요소 사이에 큰 간격이 있으면 그림의 매력이 떨어집니다.
마지막 9단계는 프레임의 디자인입니다. 프레임은 특별히 훈련된 다른 전문가에 의해 그려집니다. 페인트의 색상은 주로 금, 은과 같은 금속성 색상을 사용하며 청동 색상도 사용되는 경우는 드뭅니다. 패턴은 종종 검은색이나 빨간색 페인트를 사용하여 밝은 배경에 그려집니다.
접시의 측면을 장식하는 데 사용된 장식은 잎과 꽃잎의 실루엣입니다. 때로는 작은 꽃차례일 수도 있고, 얽힌 선이나 기하학적 모양일 수도 있습니다. 동물 실루엣은 덜 자주 사용됩니다.
프레임은 여러 단계로 구성될 수 있습니다. 예를 들어, 1개의 원은 균일하고 동일한 루프를 형성하는 선으로 구성됩니다. 다음 원은 첫 번째 원의 아래에 있습니다. 이것은 네잎클로 이루어져 있습니다. 마지막 원은 점과 작은 꽃으로 이루어져 있습니다.
조스토보 회화는 오랫동안 존재해 왔으며, 이 예술은 어려운 시기를 겪었지만 거의 변하지 않았기 때문에 원시적인 러시아 예술로 간주될 수 있습니다. 이 그림들은 전통 예술을 좋아하는 사람들이 진짜 공장 작품과 복제품을 구별하는 데 도움이 될 것입니다.
기사의 저자: 프롤로바 예카테리나
조스토보 페인팅 비디오 레슨
초보자를 위한 조스토보 그림: